Naturaleza, memoria y mitología

La propuesta de esta artista, nacida en Murcia en 1975, está enmarcada en un proyecto de largo recorrido que inició en el año 2014 sobre el simbolismo de las flores desde el punto de vista de lo contemplativo, lo que ella denomina «detenerse para ver una flor». Su investigación está centrada en el acto de mirar, del placer y la magia que causa esta acción en distintos momentos que ella ha divido en 'contar la flor', 'leer la flor' y la que muestra ahora 'ver la flor'. Para esta última y con la beca de la Fundación Botín pudo viajar a Japón y ampliar este proyecto centrándose en el ritual del hanami, la costumbre nipona de reunirse para contemplar la floración de los cerezos que ella ha abordado desde la experiencia personal y la investigación histórica. Visitó parques, templos, museos y el resultado, tal y como se puede apreciar en su instalación «es una meditación sostenida sobre la impermanencia, la repetición ritual y la política de la mirada». Su trabajo es una instalación compuesta de capas de papel de seda estampado que caen de las paredes, se esparcen por el suelo y cuelgan del espacio, representando la flor de sakura en distintos momentos (el hanami, el yozakura –cerezos de noche– y el hanafubuki –lluvia de pétalos– y su recuerdo. Tal y como explica todos esos dibujos se han elaborado en su propio taller como un acto meditativo y de repetición, utilizando pétalos como sello y fotogramas de dibujo en movimiento.

Las líneas de investigación de Neder Koochaki (San Sebastián, 1983) están centradas en las huellas físicas y simbólicas de la minería en el paisaje. Doce años lleva ya trabajando en este proyecto que desarrolla en territorio leonés y cuya última fase, la que se puede ver en estos 'Itinerarios' se centra en la figura de en la figura de Salvador Robles Aibar (1957–2009), un operario de buldócer que instaló singulares conjuntos de rocas en zonas restauradas de la Corta Pastora. El proyecto que ahora muestra indaga en la intención de estas intervenciones y en su posible lectura desde el arte o el paisaje industrial, planteando preguntas sobre los límites entre creación artística, el gesto cotidiano y la memoria material. La aproximación que realiza combina la investigación de campo (viajes, entrevistas y observación directa) con la colaboración científica, especialmente a través de estudios geológicos y biológicos.

El artista reconstruye para el proyecto fragmentos de la vida de Robles a través de entrevistas con familiares y antiguos compañeros, enfrentándose a silencios y archivos inaccesibles, tanto institucionales como familiares. Estos vacíos revelan cómo «la historia minera está atravesada por la pérdida, el trauma y el control institucional de la memoria». El proyecto aborda la minería no solo como actividad económica, sino también como una herida abierta en el territorio y en la memoria colectiva, en el que las minas funcionan como metáfora de la relación suicida entre humanidad y medio ambiente.

Las intersecciones y similitudes entre la práctica artística y el llamado arte popular, siguiendo una obsesión personal por las narrativas y cosmovisiones presentes en las artes y los oficios forman parte del trabajo de este creador burgalés (Aranda de Duero, 1983) que ha creado la pieza pensando en el espacio y el Centro Botín donde se expone. Como otros de los artistas seleccionados esta edición ha utilizado la beca de la Fundación para una siguiente fase de su proyecto 'Telesma' centrado en las piezas artísticas y esas otras piezas como talismanes y amuletos que forman parte de las devociones populares.

La obra, a la que ha llamado 'Habla, memoria', se presenta como una intervención espacial conformada por grandes telas suspendidas en el aire, que evocan siete amuletos unidos en cadena de forma monumental. El espacio expositivo se transforma así en un entorno envolvente, donde los materiales y las formas sugieren un gran talismán colectivo. En las obras se mezclan dos tradiciones: la orfebrería popular, representada por láminas de latón similares a los engarces de joyas tradicionales, y la pintura gestual, con trazos inspirados en marcas y signos propios de oficios artesanales. El resultado es una reflexión sobre el poder de las imágenes y los objetos, y su capacidad para fundirse con lo espiritual y lo material, para proteger y a la vez embellecer, invitándonos a recorrer el espacio y a reconocernos en el cruce entre arte, devoción y deseo

«Antes de que nuestro abuelo empezara a perder la memoria, nuestra relación con él se basaba en contar historias». El trabajo de las gemelas Noa y Lara Castro (A Coruña, 1988) nace de los recuerdos y las historias naturales y culturales que conforman el pasado y el presente de la Costa da Morte en su tierra. Toman como partida el Gran Sol, un caladero del Atlántico Norte donde su abuelo Nelson pasó la mayor parte de su vida trabajando como pescador. Unos caladeros que tal y como explicaron en la presentación del trabajo eran llamados originariamente en francés 'Grande sole' que significa 'gran lenguado'. La traducción fonética del francés al gallego relaciona a través del lenguaje dos cosas a priori tan distantes como los lenguados (sole) y los astros (sol), generando para las artistas un juego performativo protagonizado por personajes híbridos en un círculo donde pasado y futuro se unen en el presente. El resultado se desarrolla a través de diferentes performances y eventos públicos, cada uno de los cuales entrelaza relatos fácticos, narraciones, mitología, composición de canciones, performance, diseño de vestuario y vídeo, al tiempo que reúnen a familiares, amigos, vecinos y a las dos artistas. A través de su trabajo, las hermanas Castro desentierran y crean gestos, huellas y vínculos que unen cuerpos, lugares, historias y relatos. Su obra es una película que parte de la vida y la memoria, y revela cómo lo humano y lo no humano están conectados a través de la violencia, los cuidados, el trabajo y la muerte.

Adoptando la performance como un procedimiento terapéutico «para seres más que humanos», Eduardo Navarro (Buenos Aires, 1979) ha desarrollado un proyecto que, tras comenzar de manera informal, gracias a la beca se ha estructurado en una iniciativa para el apoyo del bienestar de los animales marinos. F.O.C.A. (Fundación Oceánica de Contemplación Amorosa) es el título del proyecto que ha desarrollado a lo largo de los últimos dos años en Uruguay, que se ha materializado en la creación de una fundación oficial que tiene como principio invitar a artistas a crear obras de arte desde la percepción interna de lo que significa transformarse en una entidad oceánica. Durante la pandemia, Navarro se unió a SOS Rescate Fauna Marina (Punta Colorada, Uruguay) y comenzó a trabajar como voluntario en la rehabilitación de crías de león marino huérfanas para facilitar su retorno a la naturaleza. Interesado en profundizar en los modos perceptivos y expresivos de otros seres y en cómo el arte puede impactar positivamente en el mundo, exploró la posibilidad de metamorfosearse en león marino, vistiendo un traje de foca como vehículo para acercarse a los animales. Así, actuando como una madre-paterna, el artista se dedicó a dar el biberón a crías rescatadas por el refugio. En esta exposición se muestra el traje de foca, una película que documenta el encuentro con los lobos de mar y de una serie de dibujos que exploran la motricidad física de estos animales, captando un campo de expresión que remite a símbolos inconscientes.

El misterio de las piedras grabadas de Ica es el origen del viaje y proyecto que este artista peruano (Callao, 1989). Lleva por título: 'Vieron algo en el cielo: Ufolotrías y desierto' indaga sobre las complejas formas en que «la cultura material, la ficción y las narrativas históricas se complementan entre sí». Tal y como expuso en la presentación, estas piedras ovaladas grabadas, que se encontraron en la década de los 60 en el desierto de Ocucaje (departamento de Ica, Perú, se les atribuyeron millones de años de antigüedad y relatan historias de la supuesta existencia de una civilización alienígena que vivía en la tierra. A partir del análisis científico y de la propia confesión de Basilio Uschuya, granjero local que admitió haberlas creado, fueron clasificadas como «bulo pseudo científico», pero las piedras siguen estando vivas y despertando interés, aludiendo a la frontera entre mito, ciencia y especulación. El proyecto recorre desiertos, fósiles y arquitecturas efímeras para habitar la incertidumbre y el misterio, en un intento por comprender la historia no oficial del lugar, situándose entre la evidencia material y la proyección ficticia. La obra traslada al visitante al Museo Científico Dr. Cabrera (Ica, Perú) dedicado a las piedras, al que viajó el artista. Un lugar donde la historia oficial y ciertas narrativas alternativas se confrontan. Pero la idea del artista no es ofrecer respuestas, prefiere invita a especular, a perderse entre la crónica del viaje, la ciencia ficción y los relatos ancestrales que hablan de orígenes inciertos y presencias venidas del cielo.

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