El renovado London City Ballet lanza el vuelo con 'Momentum' en el Palacio de Festivales

Tanto la danza de London City Ballet como la música del IMA Baroque Ensemble comparten una idea de fondo: rescatar lo heredado sin reproducirlo de forma literal, encontrar lo contemporáneo en lo que parecía antiguo. La primera lo hace desde el movimiento, la segunda desde el sonido. En ambas late una voluntad de apertura, de acercar el arte a públicos diversos, de explorar cómo las formas del pasado pueden seguir diciendo cosas nuevas.

El sábado la emoción se medirá en cuerpos y luces; el domingo, en timbres y silencios. Dos experiencias distintas que, vistas en conjunto, forman un retrato amplio del arte escénico actual: riguroso, consciente de su historia y capaz todavía de sorprender.

La compañía británica London City Ballet regresa con 'Momentum', un programa que combina piezas clásicas y contemporáneas en torno a la idea de la memoria y el movimiento. Dirigida artísticamente por Christopher Marney, la formación vive un nuevo impulso tras tres décadas de ausencia y vuelve a girar por los grandes teatros europeos con un formato más reducido, ágil y cercano al público. El renacimiento del London City Ballet no ha pasado desapercibido: la crítica británica ha celebrado su equilibrio entre rigor técnico y frescura interpretativa, así como el rescate de piezas poco representadas en los repertorios actuales. Marney, que fue bailarín en compañías como BalletBoyz o el Ballet de Gotemburgo, ha recuperado para esta nueva etapa obras de grandes coreógrafos británicos como MacMillan, Page o Scarlett, junto con creaciones más recientes que amplían el repertorio hacia nuevas sensibilidades.

En declaraciones recogidas por 'The Guardian', el director ha explicado que su intención es «preservar la historia sin convertirla en museo». Ese espíritu atraviesa Momentum, donde conviven el virtuosismo académico del ballet clásico con un lenguaje físico más actual. El elenco, formado por bailarines de diferentes países -entre ellos Arthur Wille, Pilar Ortega, Alejandro Virelles o Constance Devernay-Laurence-, aporta diversidad de escuelas y estilos a un conjunto que se consolida como una de las compañías independientes más destacadas del panorama europeo.

Cada pieza del programa propone una mirada particular. 'Larina Waltz' abre la velada con un tono elegante y dinámico;' Concerto Pas de Deux' condensa el dramatismo refinado característico de MacMillan; 'Consolations & Liebestraum' recurre a la música de Liszt para explorar la emoción y el recuerdo; y 'Pictures at an Exhibition' ofrece un cierre espectacular, con un lenguaje que une danza, proyección y color. El resultado es una experiencia completa, que recorre medio siglo de creación coreográfica y muestra cómo la tradición puede seguir transformándose.

El domingo la programación continúa en la Sala Pereda con el concierto 'El canto de la sirena', del IMA Baroque Ensemble. El grupo, fundado con el propósito de recuperar las voces olvidadas del Barroco, propone un viaje musical que entrelaza mito, religión y maternidad a través de un repertorio que abarca del siglo XIV al XVIII.

El punto de partida es una imagen sencilla: una madre que canta una nana a su hijo. A partir de ahí, el programa conecta esa canción de cuna con la figura de la sirena, símbolo de atracción y peligro, para explorar cómo la música transforma los significados del canto femenino a lo largo de los siglos.

El repertorio incluye canciones ladinas, piezas instrumentales de Thomas Morley y Giovanni Gastoldi, arias y sonatas de Vivaldi, Scarlatti, Händel y Élisabeth Jacquet de La Guerre, entre otros. La soprano Tehila Nini-Goldstein encabeza el elenco junto a Roy Amotz (traverso), Ira Givol (violonchelo), Daria Spiridonova (violín) y Zvi Meniker (clavicémbalo). Todos ellos interpretan con instrumentos históricos y criterios de práctica original, buscando la sonoridad auténtica del Barroco.

Más allá del repertorio, el proyecto del IMA Baroque Ensemble tiene un marcado componente conceptual. Su nombre -IMA, 'madre' en hebreo- alude a una mirada inclusiva que reivindica la aportación de mujeres compositoras, minorías y tradiciones musicales no cristianas dentro de la historia de la música europea. Su lectura del Barroco no se limita a lo ornamental o académico: se interesa por los vínculos culturales, por la pluralidad de voces que tejieron aquella época y que rara vez han ocupado el centro de los programas de concierto. En 'El canto de la sirena', esa filosofía se traduce en un discurso sonoro que combina emoción y reflexión. La voz de Nini-Goldstein, de timbre cálido y registro amplio, se adapta tanto al repertorio sefardí como a las arias de Vivaldi o Händel, construyendo un arco narrativo que va de la calma de la cuna al hechizo del mito. Sin pausas -la duración es de unos 65 minutos-, el concierto se plantea como una sucesión continua de atmósferas y estilos que mantienen la atención del oyente sin ruptura.